COMPARTIENDO ARTE- MONY IRIARTE

miércoles, 10 de abril de 2013

CEFERINO CARNACINI

Ceferino Carnacini nace el 10 de abril de 1888, fue un pintor y grabador argentino.
Nació en el barrio de La Boca, hijo de inmigrantes venecianos, Luis Carnacini y María Schiavi, que en 1900 deciden regresar a Italia.
Mientras trabaja con sus padres en el campo, Carnacini estudia Artes Aplicadas, los domingos por la mañana. Así comienza su aprendizaje en la pintura.
Sus estudios artísticos los realiza en Verona (Italia). Por ser el alumno más avanzado de su clase es premiado con un Diploma de Honor. Regresa a Buenos Aires y a los dieciocho años de edad ingresa a la Academia de Bellas Artes, teniendo como maestro a Reynaldo Giudici, Ernesto de la Cárcova y Carlos Ripamonte. Junto a este último, a Fernando Fader, Cesáreo Bernaldo de Quirós y Pío Collivadino, el escultor Antonio Dresco -entre otros- integraría en 1907 el Grupo Nexus.
En 1908 es ya profesor de pintura, y dos años después recibe la Medalla de Oro de la Exposición Internacional del Centenario, luego el "Premio Roma" y una beca a Roma, Italia para estudiar con Giulio Arístide Sartorio. Ya en 1914 realiza su primera exposición en la Galería Witcomb y durante cincuenta años expone regularmente. En 1915 participa en la Panamá Pacific International Exposition of San Francisco, en los Estados Unidos, donde es premiado con medalla de plata por su obra “Día Grís” adquirida después por el Museo Nacional de Bellas Artes.
Envíos a salones, exposiciones individuales, numerosos premios y distinciones, se alternan entonces con cátedras en la Facultad de Ciencias Exactas de la Universidad de Buenos Aires, la Academia de Bellas Artes, en las Escuelas "Prilidiano Pueyrredón" y "Manuel Belgrano".
Una de sus pinturas, "El Pueblo Quiere Saber de qué se Trata", fue reproducida por el Banco Central de la República Argentina en el billete de Cinco Pesos "Moneda Nacional", en conmemoración del sesquicentenario de la Revolución de Mayo y más tarde en el de Un Millón de Pesos "Ley Nº 18188", en 1980.
Su obra es de carácter post-impresionista y trabajó con igual maestría el óleo y la témpera, su temática preferida fue el paisaje pero también fue un excelente retratista y hasta desarrolló algunos bodegones. Fue un finísimo pintor de flores, pintó animales que más tarde fueron incorporados al paisaje y su dominio del dibujo le permitió cambiar el lápiz por el buril para convertirse en consumado grabador.
El pintor y crítico de arte argentino José León Pagano fue el que primero destacó su obra: "Pocos artistas pusieron mayor empeño en la consecución de un arte propio, nacional, inconfundiblemente argentino" y fue también el primero que destacó la humildad del artista, esa condición ética que desgraciadamente muchos han dejado de lado. Rafael Squirru lo señala como uno de los fundadores de la Escuela de Buenos Aires: "Toda la obra de Carnacini está signada por una gran seriedad. Se trata de un espíritu que es opuesto a la frivolidad. Carnacini no parece salirse nunca de ciertos cánones de belleza que, partiendo de su formación europea, lo enfrenta con ojos sinceros a una realidad americana cuya grandeza en ningún momento se le escapa".
Durante cincuenta años vivió en Villa Ballester (provincia de Buenos Aires), lugar que sirvió de inspiración para muchos de sus paisajes, -ya que en las primeras décadas del siglo XX era una villa de descanso, con algunas quintas y mansiones, y grandes extensiones de campo-. Tuvo como vecino a quien fuera uno de sus maestros y colega, el pintor Carlos Ripamonte.
También fue un viajero incansable, recorrió los más diversos puntos de la Argentina y plasmó de manera inconfundible sus variados paisajes.
En la casa donde vivió la mayor parte de su vida, una construcción del año 1914, mezcla de estilo normando y pintoresquismo, desde 2007 se sitúa el Museo Casa Carnacini, en recuerdo de uno de los personajes más ilustres que tuvo la ciudad.
El 11 de abril de 2008, con motivo de cumplirse el 120º aniversario de su nacimiento, la Municipalidad de General San Martín y la empresa TBA organizaron una exposición homenaje en el hall central de la estación Retiro, del ex Ferrocarril Bartolomé Mitre. El público pudo apreciar fotografías inéditas de las antiguas fisonomías de Villa Ballester, San Martín, y del barrio porteño de Retiro, capturadas por el artista. (Fuente wikipedia.org)

domingo, 17 de marzo de 2013

Kal Gajoum

http://www.kalgajoum.com/

Pascale Pratte

http://pascalepratte.com/

Mstislav Pavlov

CLAUDE MONET

PAGINA http://www.claudemonetgallery.org/
Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural.

Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista.
Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar,Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaban a oponerse al arte establecido.

Mujeres en el jardín (1866), de Claude Monet

Similar innovación puede apreciarse en Mujeres en el jardín (1866, Museo de Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosa

A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas.

mpresión, sol naciente (1872)

La incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua pueden apreciarse también en la mítica obra Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París), pintada en Le Havre. En poco más de medio metro cuadrado numerosas pinceladas se superponen en un solo color general neutro, captando el instante luminoso del amanecer y los destellantes reflejos del sol rojizo sobre el agua; la rapidez que la fugacidad del tema exigía, condicionó el formato, la técnica e incluso el título, condensado manifiesto de intenciones que dio nombre al grupo, cuando, en 1874, al mostrarse la obra en la primera exposición impresionista, el crítico Louis Leroy empleó el término para referirse despectivamente, en Le Charivari, a quienes hasta ese momento eran conocidos como el grupo de Manet.

SERIE DE LA CATEDRAL DE RUAN

la más conocida es la que dedicó en 1892-1893 a la catedral de Ruán, en la que se evidencia, de un modo poético y didáctico, cómo las variaciones de la luz alteran la percepción del medio que modula esa energía, cómo la luz y color constituyen fenómenos indisociables de la percepción humana. Monet pintó cincuenta cuadros de la catedral, dieciocho de ellos del pórtico, y afirmó que: "Podía haber realizado cincuenta, cien, mil, tantos como segundos hubiera en su vida..."

El puente japonés

Menúfares (Las nubes), de 1903

Estanque con nenufares (1899)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 88.3 x 93.1 cm.
Localización: National Gallery. Londres
Autor: Claude Monet

Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza.

Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny