domingo, 5 de mayo de 2013

"EN UN CUADRO DE RAFAEL NO ES POSIBLE DETERMINAR LA DISTANCIA ENTRE LA PUNTA DE LA NARIZ Y LA BOCA. QUIERO PINTAR CUADROS EN LO QUE ESTO SEA POSIBLE" PABLO PICASSO.
"EL ARTE ES UNA ARMONIA PARALELA A LA NATURALEZA"- PAUL CEZANNE

WILLIAM TURNER


William Turner
(23/04/1775 - 19/12/1851)

Joseph Mallord William Turner 

Pintor inglés 

Para ver la obra completa
http://www.william-turner.org/
Snow Storm- Steam-Boat off a Harbour's Mouth c. 1842 - Joseph Mallord William Turner - www.william-turner.org


Title: Snow Storm- Steam-Boat off a Harbour's Mouth c. 1842
Painted by: Joseph Mallord William Turner
Location: Tate Gallery, London, England
Year: 1842
Dimensions: 91.5 cm  x 122 cm
Orientation: Landscape


La popular confusión entre genialidad y locura es más patente que nunca en la biografía de Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Pintor académico en sus principios, Turner fue lenta pero imparablemente evolucionando hacia un estilo libre, atmosférico , en ocasiones esbozando incluso la abstracción, que fue incomprendido y rechazado por unos críticos que llevaban décadas admirándolo. El aparente caos que llenaba las últimas obras de Turner fue atacado por considerarse la obra de un demente. Se dice que la mismísima Reina Victoria se negó a concederle la orden de caballero -honor otorgado a muchos pintores de menor categoría- porque consideraba que Turner estaba sencillamente loco.
En cierto sentido, era bastante sencillo atribuir a Turner la etiqueta de demente, considerando su antecedente materno: su madre había pasado los últimos 4 años de su vida en un manicomio. El propio pintor alimentaba estas leyendas en sus últimos años, llevando una doble vida en el barrio de Chelsea, con una mujer llamada Sophia Boot, haciéndose pasar por un almirante retirado. Pero en realidad, este "caos demencial" presente en las pinturas de Turner responde a una compleja evolución artística en la que el pintor se adelanta varias décadas a cualquier otro artista de su generación. Por tanto, la incomprensión a la que Turner se vio sometido no es sorprendente.
Se cuenta que, durante una exposición, un pedazo de cielo de una obra de Turner cayó al suelo, a lo que el propio pintor quitó importancia argumentando que " lo único que importa es dar una impresión ". Es lógico pensar la sorpresa que causaría esta idea en la seria y pétrea Academia. También cuenta el escritor John Ruskin -íntimo amigo de William Turner- que un crítico recriminó a Turner que éste no pintara los ojos de buey de unos barcos en una de sus pinturas. Turner explicó al crítico que, en el momento en el que él había pintado el cuadro, los barcos se encontraban a contraluz y, por tanto, los ojos de buey no eran visibles. Contrariado, el crítico argumentó: " de acuerdo, pero sabe usted bien que los barcos tienen ojos de buey" . Entonces Turner respondió: " Sí, pero yo me dedico a pintar lo que veo, no lo que sé" . En efecto, la visión directa de los objetos y de los fenómenos atmosféricos tenía una importancia pivotal en la creación de sus pinturas. Pero -como el propio Ruskin apunta al hablar de la estética Modern Painters - esta visión directa derivaba más hacia la impresión que los objetos o fenómenos causaban en la mente del pintor que en una representación exacta de lo observado. En este sentido, no es de extrañar que las pinturas de Turner causaran tan honda admiración entre los pintores impresionistas como Claude Monet o Alfred Sisley, varias décadas después.
PRIMEROS AÑOS - DE LA ACADEMIA A CARTAGO
Pintor precoz y alumno brillante, Joseph Mallord William Turner inició sus estudios en la Royal Academy de Londres, recibiendo clases de artistas como Sir Josuah Reynolds o Paul Sandby. Desde el principio, sus pinturas y acuarelas son admiradas y reciben magníficas críticas. Por ello, Turner pronto se encuentra en una envidiable situación económica, lo que le permite realizar numerosos viajes por Inglaterra y Gales, tomando bocetos de lugares y monumentos, y pronto visitaría Francia y Suiza, al tiempo que aumentaba su universo pictórico observando las obras de grandes maestros como Rembrandt, Albert Cuyp, y sobre todo Claudio de Lorena. La huella de éste último es fácilmente identificable en obras de Turner de este periodo como sus escenas de " Las plagas de Egipto" (1800) y el posterior " Sol naciente entre la niebla" (1807, National Gallery de Londres)
Cierta tarde, Turner se encontraba en la casa de su mecenas Walter Fawkes en Farnley Hall, Yorkshire, cuando una súbita tormenta interrumpió la jornada. Rápidamente, Turner comenzó a realizar bocetos de nubes y lluvia, y le comunicó a Fawkes: " En dos años verás estos bocetos transformados en una pintura llamada Aníbal cruzando los Alpes" . Y efectivamente, en 1812, Turner presentó en la Royal Academy su cuadro más ambicioso hasta la fecha, el épico " Aníbal cruzando los Alpes" (1812, Londres, Tate Gallery)
El éxito de esta pintura en la exposición de la Royal Academy llevó a Turner a pintar otras escenas históricas de temática similar, como el " Dido construye Cartago" (1815, Londres, National Gallery) o " El declive del imperio cartaginés" (1817, Londres, Tate Gallery)
UN BRITÁNICO EN ROMA
La fama de Turner no cesaba de crecer. " Turner debería venir a Roma. Su genio encontraría aquí material nuevo y apropiado" , escribiría desde la capital italiana sir Thomas Lawrence en 1819. Dicho y hecho: en agosto de ese mismo año, Turner llegaba a tierras trasalpinas.
La mente abierta y perceptiva de Turner encontraría en Italia un nuevo mundo de colores, luces y atmósferas, que trasladaría al lienzo a su vuelta. Visita Turín, Milán, Venecia, Nápoles. y estudia las obras de grandes maestros como Tiziano, Tintoretto o Rafael. También establece contacto con artistas contemporáneos como Antonio Canova.
Turner regresó a Inglaterra en febrero de 1820. Las imágenes y recuerdos de Italia marcarían su producción pictórica de años los siguientes, como se puede ver en obras como " El Foro romano" (1826, Londres, Tate Gallery) o el personal homenaje a Rafael en " Roma, desde el Vaticano, Rafael con Fornarina prepara los cuadros para la decoración de las logias" , pintado el mismo año de su regreso a Inglaterra (Londres, Tate Gallery)
LA MADUREZ - ULÍSES MOFÁNDOSE DE POLIFEMO
Turner volvió a viajar a Italia en 1828, realizando numerosos bocetos al aire libre, que tendrían su reflejo en un cuadro sensacional pintado a su regreso a Inglaterra al año siguiente: el Ulises mofándose de Polifemo - odisea de Homero (1829, Londres, Tate Gallery) fue descrito por Ruskin como "el cuadro central de la carrera de Turner", y -en cierto modo- la descripción puede resultar muy válida. En efecto, en el " Ulises" , el tema mitológico (según Homero, Ulises derrotó al Polifemo -un cíclope- arrancándole su único ojo gigante con un palo ardiente) resulta ser poco más que una excusa para representar la grandiosidad de la fuerza de la naturaleza. El cuadro sorprende por sus brillantes colores, y recibió críticas desiguales en la exposición de la Royal Academy de 1829.
Durante la década de 1830, el estilo de Turner se fue haciendo cada vez más libre, con el uso de una paleta predominantemente clara. La culminación de todo este proceso es el sublime " Norham Castle: amanecer" (c.1835-40, Londres, Tate Gallery), donde casi toda forma reconocible queda diluida por la omnipresente luz del amanecer. Con su perfección técnica y su paleta extraordinariamente clara, la pintura recuerda más a una acuarela que a un óleo.
El incendio ocurrido en la Cámara de los Lores y de los Comunes británicos en octubre de 1834 permitió a Turner realizar una serie de bocetos que derivarían en dos pinturas sobre el tema (actualmente en Cleveland y en Filadelfia) en las que Turner se muestra especialmente interesado por el reflejo de las llamas en el río Támesis, como un contraste entre fuego y agua. Las vistas impactaron a Monet cuando éste último visitó Londres décadas después, y tuvieron se reflejo en la serie que el impresionista dedicó a las Casas del Parlamento londinense.
Durante estos años, William Turner realizó tres viajes a Venecia, siendo el último de ellos -en 1840- probablemente el más prolífico de toda su carrera. En la ciudad italiana Turner pintó algunas de sus obras maestras, tanto al óleo como a la acuarela. En el "Venecia desde el pórtico de Santa María della Salute" (1835, Nueva York, Metropolitan Museum of Art) Turner varía ligeramente el paisaje original (añade a la composición un edificio inexistente) para reflejar con más grandiosidad la belleza veneciana.
En abril del año 2006, una de estas vistas venecianas realizadas por Turner, " Giudecca, La Donna Della Salute and San Giorgio" , un óleo realizado en su último viaje a Venecia, fue subastada en Christie's Nueva York por más de 35 millones de dólares.
VALIENTE TEMERARIO - TRIBUTOS EN LA MAR
Si bien William Turner fue más -mucho más- que un simple pintor de marinas, sería absurdo no reconocer que muchos de sus mayores logros los consiguió en la representación del mar y los elementos marinos. En este sentido, su obra maestra es sin duda " El valiente Teméraire remolcada desde el último punto de anclaje para ser destruida" (1839, Londres, National Gallery). Deliberadamente, y sin que esto suponga un paso atrás, Turner matiza el efecto de "disolución" de las formas mostrado en obras anteriores (como el ya mencionado " Norham Castle" ) para permitir una mejor comprensión de la narrativa de la pintura
Audaz y técnicamente perfecto, el cuadro de Turner es una visión insólita de los protagonistas del mar: en vez de mostrar un glorioso navío en su máximo esplendor y plenitud (como haría, por ejemplo, el americano Fitz Hugh Lane) Turner rinde homenaje al valiente Temerarie narrando su último capítulo, su viaje previo al desguace. El sol poniente y la luna creciente son elementos claramente simbólicos, marcando el fin de un era. A destacar que la pintura fue escogida como la mejor de Inglaterra en una encuesta llevada a cabo por la National Gallery de Londres en el año 2005. Ciertamente, pocas obras de Turner resisten comparación con ella. De las pocas que se podrían sugerir, destacamos la poética " Paz - exequias en el mar" (1842, Londres, Tate Gallery), dedicado a la memoria del pintor y rival de Turner Sir David Wilkie.
LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD
Si el " Ulises se burla de Polifemo " era el "cuadro central" de la carrera de Turner, la culminación lo es sin duda el " Lluvia, vapor y velocidad" (1844, Londres, National Gallery)
El cuadro es una sensacional conclusión a las investigaciones de Turner sobre la luz y la atmósfera, llevadas a cabo durante su época de profesor en la Royal Academy. Durante esta época, Turner tomó contacto con las teorías de la luz y el color de Newton y Goethe. En la pintura de la National Gallery , el auténtico protagonista, por encima incluso de la dinámica locomotora, es la cambiante atmósfera inglesa, acrecentada por el vapor que desprende la poderosa maquinaria. La crítica -y posteriormente los pintores impresionistas- quedaron impactados por esta veloz locomotora . Un crítico escribió, durante su exposición en 1844: " un tren se te echa encima, un tren que avanza realmente a 50 millas por hora y que el lector haría bien en ir a ver antes de que salga del cuadro"
VISIÓN Y ALUCINACIÓN - LOS ÚLTIMOS AÑOS
Ya se ha comentado que la disolución de formas presente en las últimas obras de Turner llevó a numerosos críticos a considerar que el pintor comenzaba a rayar la demencia. Hasta el propio Ruskin pareció desconcertado por las últimas obras de Turner, quién se vio obligado, en ocasiones, a colocar marcas en los marcos de las pinturas para indicar cual era la parte de arriba y cual la de abajo.
El " Amanecer con monstruos marinos" (1845, Londres, Tate Gallery) es uno de los mejores ejemplos de esta última etapa. Las formas de los monstruos marinos apenas son intuíbles en medio de la omnipresente atmósfera marina. La cualidad casi divina de la luz refleja las teorías de Turner de considerar el Sol como el centro de toda vida. Algo parecido ocurre en " Un yate acercándose a la costa" (c.1845-50, Londres, Tate Gallery)
Enfermo de gravedad, en octubre de 1851 tuvo que dejar de retocar las obras en las que estaba trabajando. El 19 de diciembre de 1851, Joseph Mallord William Turner falleció en su casa de Chelsea, Londres, y fue enterrado en la Catedral de San Pablo. El grueso de sus obras puede hoy admirarse el la Clore Gallery , un ala de la Tate Gallery añadido especialmente para las obras del mejor pintor inglés de todos los tiempos.

La vida y obra del pintor Joseph Mallord William Turner


por G. Fernández - theartwolf.com---http://www.theartwolf.com

WILLIAM TURNER Y EL AÑO SIN VERANO
En abril del año 1815, la erupción del Monte Tambora, en Indonesia, vertió a la atmósfera aproximadamente 100 kms. cúbicos de polvo, cenizas, y demás residuos en lo que fue la erupción volcánica más violenta de los tiempos modernos. Se cree que ésta fue la causa de que el año siguiente, 1816, fuese conocido como "El año sin verano", por la climatología extraordiariamente fría del mismo, y por las nieblas -causadas por la ceniza del volcán- que cubrieron gran parte del planeta. Muchos teóricos afirman que este fenómeno atmósferico inspiró muchas obras de Joseph Mallord WilliamTurner
por G. Fernández - theartwolf.com---http://www.theartwolf.com

Joseph Mallord William Turner: "Norham Castle: amanecer"
Joseph Mallord William Turner: "Norham Castle: amanecer", c.1835-40. Londres, Tate Gallery
Joseph Mallord William Turner: "El incendio de la Cámara de los Lores"
Joseph Mallord William Turner: "Venecia desde el pórtico de Santa María della Salute", 1835. Nueva York, Metropolitan Museum of Art
Joseph Mallord William Turner: "Amanecer con monstruos marinos"
Joseph Mallord William Turner: "Amanecer con monstruos marinos". c.1845 - Londres, Tate Gallery

Algunas de sus obras:

1799 - Warkworth Castle, Northumberland - Thunder Storm Approaching at Sun-Set
1806 - The Battle of Trafalgar, as Seen from the Mizen Starboard Shrouds of the Victory
1822 - The Battle of Trafalgar
1835 - The Burning of the Houses of Lords and Commons
1835 - The Grand Canal, Venice
1838 - The Fighting Temeraire Tugged to Her Last Berth to Be Broken up
1840 - Slave Ship - Slavers Throwing Overboard the Dead and Dying, Typhoon Coming On
1842 - Fishing Boats with Hucksters Bargaining for Fish
1844 - Rain, Steam and Speed - The Great Western Railway

miércoles, 10 de abril de 2013

CEFERINO CARNACINI






Ceferino Carnacini nace el 10 de abril de 1888, fue un pintor y grabador argentino.
Nació en el barrio de La Boca, hijo de inmigrantes venecianos, Luis Carnacini y María Schiavi, que en 1900 deciden regresar a Italia.
Mientras trabaja con sus padres en el campo, Carnacini estudia Artes Aplicadas, los domingos por la mañana. Así comienza su aprendizaje en la pintura.
Sus estudios artísticos los realiza en Verona (Italia). Por ser el alumno más avanzado de su clase es premiado con un Diploma de Honor. Regresa a Buenos Aires y a los dieciocho años de edad ingresa a la Academia de Bellas Artes, teniendo como maestro a Reynaldo Giudici, Ernesto de la Cárcova y Carlos Ripamonte. Junto a este último, a Fernando Fader, Cesáreo Bernaldo de Quirós y Pío Collivadino, el escultor Antonio Dresco -entre otros- integraría en 1907 el Grupo Nexus.
En 1908 es ya profesor de pintura, y dos años después recibe la Medalla de Oro de la Exposición Internacional del Centenario, luego el "Premio Roma" y una beca a Roma, Italia para estudiar con Giulio Arístide Sartorio. Ya en 1914 realiza su primera exposición en la Galería Witcomb y durante cincuenta años expone regularmente. En 1915 participa en la Panamá Pacific International Exposition of San Francisco, en los Estados Unidos, donde es premiado con medalla de plata por su obra “Día Grís” adquirida después por el Museo Nacional de Bellas Artes.
Envíos a salones, exposiciones individuales, numerosos premios y distinciones, se alternan entonces con cátedras en la Facultad de Ciencias Exactas de la Universidad de Buenos Aires, la Academia de Bellas Artes, en las Escuelas "Prilidiano Pueyrredón" y "Manuel Belgrano".
Una de sus pinturas, "El Pueblo Quiere Saber de qué se Trata", fue reproducida por el Banco Central de la República Argentina en el billete de Cinco Pesos "Moneda Nacional", en conmemoración del sesquicentenario de la Revolución de Mayo y más tarde en el de Un Millón de Pesos "Ley Nº 18188", en 1980.
Su obra es de carácter post-impresionista y trabajó con igual maestría el óleo y la témpera, su temática preferida fue el paisaje pero también fue un excelente retratista y hasta desarrolló algunos bodegones. Fue un finísimo pintor de flores, pintó animales que más tarde fueron incorporados al paisaje y su dominio del dibujo le permitió cambiar el lápiz por el buril para convertirse en consumado grabador.
El pintor y crítico de arte argentino José León Pagano fue el que primero destacó su obra: "Pocos artistas pusieron mayor empeño en la consecución de un arte propio, nacional, inconfundiblemente argentino" y fue también el primero que destacó la humildad del artista, esa condición ética que desgraciadamente muchos han dejado de lado. Rafael Squirru lo señala como uno de los fundadores de la Escuela de Buenos Aires: "Toda la obra de Carnacini está signada por una gran seriedad. Se trata de un espíritu que es opuesto a la frivolidad. Carnacini no parece salirse nunca de ciertos cánones de belleza que, partiendo de su formación europea, lo enfrenta con ojos sinceros a una realidad americana cuya grandeza en ningún momento se le escapa".
Durante cincuenta años vivió en Villa Ballester (provincia de Buenos Aires), lugar que sirvió de inspiración para muchos de sus paisajes, -ya que en las primeras décadas del siglo XX era una villa de descanso, con algunas quintas y mansiones, y grandes extensiones de campo-. Tuvo como vecino a quien fuera uno de sus maestros y colega, el pintor Carlos Ripamonte.
También fue un viajero incansable, recorrió los más diversos puntos de la Argentina y plasmó de manera inconfundible sus variados paisajes.
En la casa donde vivió la mayor parte de su vida, una construcción del año 1914, mezcla de estilo normando y pintoresquismo, desde 2007 se sitúa el Museo Casa Carnacini, en recuerdo de uno de los personajes más ilustres que tuvo la ciudad.
El 11 de abril de 2008, con motivo de cumplirse el 120º aniversario de su nacimiento, la Municipalidad de General San Martín y la empresa TBA organizaron una exposición homenaje en el hall central de la estación Retiro, del ex Ferrocarril Bartolomé Mitre. El público pudo apreciar fotografías inéditas de las antiguas fisonomías de Villa Ballester, San Martín, y del barrio porteño de Retiro, capturadas por el artista. (Fuente wikipedia.org)

domingo, 17 de marzo de 2013

Kal Gajoum

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Pascale Pratte

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Mstislav Pavlov


CLAUDE MONET

 PAGINA http://www.claudemonetgallery.org/
   Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural.

Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista.
Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar,Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaban a oponerse al arte establecido.
Mujeres en el jardín (1866), de Claude Monet
Similar innovación puede apreciarse en Mujeres en el jardín (1866, Museo de Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosa


A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas.
mpresión, sol naciente (1872)
La incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua pueden apreciarse también en la mítica obra Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París), pintada en Le Havre. En poco más de medio metro cuadrado numerosas pinceladas se superponen en un solo color general neutro, captando el instante luminoso del amanecer y los destellantes reflejos del sol rojizo sobre el agua; la rapidez que la fugacidad del tema exigía, condicionó el formato, la técnica e incluso el título, condensado manifiesto de intenciones que dio nombre al grupo, cuando, en 1874, al mostrarse la obra en la primera exposición impresionista, el crítico Louis Leroy empleó el término para referirse despectivamente, en Le Charivari, a quienes hasta ese momento eran conocidos como el grupo de Manet.

SERIE DE LA CATEDRAL DE RUAN
la más conocida es la que dedicó en 1892-1893 a la catedral de Ruán, en la que se evidencia, de un modo poético y didáctico, cómo las variaciones de la luz alteran la percepción del medio que modula esa energía, cómo la luz y color constituyen fenómenos indisociables de la percepción humana. Monet pintó cincuenta cuadros de la catedral, dieciocho de ellos del pórtico, y afirmó que: "Podía haber realizado cincuenta, cien, mil, tantos como segundos hubiera en su vida..."
El puente japonés

Menúfares (Las nubes), de 1903
Estanque con nenufares (1899)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 88.3 x 93.1 cm.
Localización: National Gallery. Londres
Autor: Claude Monet
Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza. 

Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny


FUENTES PARA LO INCLUIDO

DIEGO RIVERA

DALI



RENOIR

PABLO GARAT

http://pablogaratdibujo.blogspot.com/

Lapiz grafito sobre papel. 
23 x 16 cms